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imposible disociar

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Una de las cosas buenas de las noches de verano es que puedes ir semidesnudo tan tranquilamente y si encima coincide con el día europeo de la música, puedes cenar probablemente en el sitio más fresquito de la ciudad mientras una banda toca en un kiosco de esos tan bonitos que hay en los parques. 

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Chop chop chop chop chop

Tormenta en el patio interior 

Y esta canción en bucle lo más alto que se puede desde hace unos días.

 Aún a riesgo de sordera, haciendo ping pong de oreja a oreja

Los sixties!!!!

La casa Dior, es la más grande de París gracias a una lista de clientes internacionales cada vez más ricos, sobre todo debido a un seguimiento entusiasta por parte de los americanos.

Yves Saint Laurent , sucesor de Dior, va a ser uno de los diseñadores más importantes de esta década, entre sus creaciones destacan la trinchera, el traje safari, y el esmoquin femenino. Saint Laurent describía la ropa como una forma de protesta y se le llega a considerar el primer modisto moderno, al retar los convencionalismos de la industria.

De hecho, uno de los vestidos más representativos de esta época es el vestido Mondrian del mismo Saint Laurent, y es que la abstracción es una rica fuente de inspiración para el diseño, los estampados Arty son un recurso efectivo y de todos conocido.

En 2008 Hermes homenajea a uno de los artistas más importantes en el estudio del color, Joseph Albers, creando una serie limitada de 6  pañuelos “homenaje al cuadrado”

       




También  ese mismo año, Marc Jacob homenajea a Richard Prince, vistiendo a las modelos de enfermeras, Dolce&Gabana manchan sus vestidos al mas puro estilo action painting de Pollock, y Galliano lleva a las pasarelas de la alta costura las elegantes figuras femeninas de Gustav klimt.










Pero yo creo que el ejemplo más comprometido o representativo  del mix arte-moda más allá del traslado del icono a otra disciplina, es  el de Prada , que en conjunto con algunos arquitectos  crean provocativos e intrigantes ambientes, en sus puntos de venta sobre todo. Sus tiendas del Soho neoyorquino y Tokio dejan de ser tiendas para convertirse en espectaculares centros de cultura, arte y comunicación firmados por los arquitectos más mediáticos: Rem Koolhaas y Herzog & De Meuron.

 Este compromiso con el arte, queda patente en Fundacion Prada de Milán donde se exhibe una colección muy variada y asombrosa de todo el arte de Prada, dejando claro que son árbitros del lujo hoy en día.

Pero a ver, que me voy, volvamos a los 60, y a París, donde la generación más joven se inspira en las ideas futuristas procedentes de la carrera espacial entre EEUU y La Unión Soviética, como por ejemplo Pierre Cardin, André Courrèges y Ungaro, mientras que Paco Rabanne, experimenta con materiales alternativos como la cota de malla y los discos de plástico.

En London, las escuelas de arte subvencionadas por el Estado, fueron ricas fuentes de nuevos talentos. Una de ellas fue Mary Quant, que vendía innovadores diseños a la gente joven que no se quería vestir como sus padres. Las prendas eran divertidas y coloristas, suéteres acanalados, pichis, medias de colores imprescindibles para la MINIFALDA, impermeables de PVC brillante, vamos, de charol.

La vestimenta masculina también evolucionó y  los trajes estaban influenciados por la moda italiana que tanto gustaba a los primeros dandis.

Hay una nueva clientela y las revistas transmiten sus gustos y exigencias difundiendo las nuevas tendencias: las modelos cambian de aspecto, la fotografía muestra el cuerpo en movimiento. La imagen de la mujer se transforma influenciada por el cine, la música y determinadas corrientes artísticas.

Twiggy  es la modelo más emblemática de esta época, se consagró como estrella y puso de moda el pelo corto y la silueta andrógina.

La moda joven, la que innova se convirtió en industria. La confección se transforma en un prêt-à-porter creativo a precios moderados que vestirá a la generación del baby boom.

Pero quedémonos con la copla, en resumen:

                                                Prendas:

Cuello alto, algodón grueso, pantalón corto, bufanda extralarga, chaleco, dibujos geométricos, jersey minipull, abrigo guardapolvo, vestido de cuero(el estrella, estilo casulla y con cremallera delante) , pantalón pitillo de talle bajo, minifalda sin o con botas altas al estilo Courrèges, colores vivos, estampado Liberty (Cacharel).

Diseñadores:

Gérard Pipart: trabajó para Nina Ricci, inventó el look Chloé, e inauguró la alianza entre etilo e industria.

Louis Féraud:  con una moda muy alegre, colorista y ultramoderna , al final, sobre los noventa se dedicaría  al pintura. Le encantaba el color y llevó el folclore hacia la sofisticación.

Jean Bouquin

Ted Lapidus

Guy Laroche, que le daba mucha importancia a las piernas y a la espalda de las mujeres y apostaba por la elegancia

Pierre Cardin, se le considera el  el creador del prêt-à-porter.

André Courrèges, es el padre de la minifalda y Mary Quant quien  la exagera.

Es la época de la chica yeye, por ejemplo Sylvie Vartan, France de Gaulle, o Francçoise Hardy.

Daniel Hetcher, otra estrella del prêt-à-porter, fue el primero que se inspira en la ropa deportiva y de trabajo para llevarla a pasarela tanto para hombres como para mujeres. Suya es la frase “la moda sale de la calle. Una famosa se atreve a llevar algo sorprendente en un lugar donde llama la atención. Cinco personas la copiarán. Yo haré mi propia versión.”

Chantal Tomass, asidua a la minifalda y a los calcetines altos, innovó en el uso de materiales como en la falda-valleta o el impermeable encerado. Crea los minivestiditos  de niña con mangas abultadas y cuello Claudine, que parecen gustar mucho a  Brigitte Bardot , para más tarde, especializarse en lencería.

Emanuel Ungaro:  pensaba que estar guapa era un acto de generosidad para los demás.

A Paco Rabanne,  que lo podríamos definir con una palabra, espectáculo. 

Hubert de Givenchy:  de él es el vestido negro de Audrey en desayuno con diamantes y  de casi todos los de las siguientes películas. Es el más sofisticado, le gusta inventar formas y detalles que lo distingan de sus coetáneos .

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como curiosidad, hasta el 68 estaba prohibido llevar pantalones en colegios y empresas!

Es en esta fecha cuando llevar un traje  de aspecto masculino era la alternativa de moda  frente al estilo hippy chic orientalista de pantalón pirata o pata de elefante, chaleco largo y las demás  novedades.

50´s

1953, evento: coronación de la Reina Isabel, protagonistas: ella y su vestido ( de Norman Hartnell)

Fue una celebración espectacular retransmitida por primera vez por TV, la cual se convertirá en la principal vía de difusión en la relación productor-consumidor.

A mediados de los 50, comienzan a surgir subculturas que parten de los grupos más jóvenes, que se cuestionaban el estado de las cosas, se rebelan contra la autoridad y expresan su antipatía hacia lo establecido mediante su ropa. 

Las tribus abarcaban desde los existencialistas parisinos, hasta los beats, los beatkins,  los teddy boys, los mods, los rockers... Y así fue como diferentes elementos de sus atuendos pasaron a formar parte de la moda mayoritaria.

El new look sigue dominando esta década, y el vestido blanco palabra de honor d Elisabeth Taylor en “Un lugar en el sol” fue el más copiado de la época.

Las faldas de vuelo fueron la prenda clave del armario femenino

La televisión se extiende a todos los hogares y esto supone una revolución  en la comunicación y la publicidad.

En EEUU, los veteranos provenientes de la guerra llevaron camisas hawaianas, y la cultura del surf, y California consolidó su imagen de culto a la juventud

James Dean y Natalie Wood protagonizaban “rabelde si causa”

Elvis Presley lleva el rock &roll a primera plana

Dean, Presley y Brando, son el mejor exponente del estilo rebelde, con vaqueros, camiseta blanca y chaqueta de cuero, muy distinto al estilo profesional, que consistía en trajes ajustados y oscuros con una estrechísima corbata y sombrero flexible.

En la moda femenina, además de la falda de vuelo de Dior,  también se incluían faldas tubo, trajes a medida y vestios con recatados escotes redondos o sexys modelos palabra de honor para la noche.

En el 54 Chanel vuelve a abrir su negocio, su línea de trajes con chaqueta cuadrada, adornada con galones dorados, acompañada con accesorios de perlas se convierte en el distintivo de la casa.

Aunque se tratase de una moda conservadora, la voluptuosidad estaba presente, los bikinis ya se comercializaban.

Armi Ratia funda a empresa que con el tiempo se convierte en fuente inagotable de los estampados de Marimekko

Balenciaga introduce las chaquetas globo, los abrigos envolventes, los vestidos saco y camiseros y Pierre Cardin presenta el vestido globo.

Esta cantidad de cultura joven y vibrante de finales de esta década  en adelante, acompañada de arte, psicodelia, drogas,  y sobre todo música, pondrá fin a la hegemonía de la haute couture en la década de los 60.

Un ejemplo fidedigno de la moda de esta época lo representa el vestuario de la serie Mad Men.  Este vestuario ha causado tato impacto, que diseñadores actuales se han inspirado en la serie para crear sus modelos. De hecho, Canal+  junto con Javier Larraínzar, lanzaron a la venta una corbata como las de la serie.

Y como olvidar el trabajo de Marc Jacobs para Vuitton la pasada temporada otoño/invierno 2010-2011, o el último desfile Alta Costura de Dior. La influencia cincuentera está clara.

años 40

Años 40, otra vez: crisis.

Escena Europea.

Al racionamiento británico de la comida, le acompaña en el 41 el de la ropa.

En un esfuerzo por estabilizar los precios, se editaron cupones para la mayoría de las prendas.

Las casas de moda empiezan a ofrecer servicios de reformas, y los que no llevaban uniforme se las tenían que apañar como pudiesen.

Por ejemplo, un pañuelo atado en la cabeza hacía las veces de un sombrero. Y ellápiz de ojos imita la línea de las medias en las piernas debido a la escasez de nylon

Aparece el Unity Clothin Scheme, programa que incluía una gran variedad de prendas bien diseñadas, prácticas y económicas, así como artículos de casa que se pudieron incorporar a los cupones.

En el 42, hubo una orden de restricción por la que se limitaron adornos, pliegues múltiples, bolsillos, vueltas en los bajos de los pantalones, se prohibió la decoración exterior, malgastar tela en costuras, cinturones, cuellos, puños... ni cremalleras, ni cierres de metal.

Aún así y a pesar de las limitaciones los diseñadores ingleses del Unity no tenían por qué estar fuera de la modernidad, y crearon  prendas elegantes de buen corte, a la altura de la rodilla, con una silueta estrecha que realzaba los hombros y la cintura de la mujer.

Su papel en la sociedad, por cierto, dejaba de ser el de la mujer de fábrica para volver a encerrarse entre fogones y criar hijos para repoblar Europa.  De ahí la exaltación de sus atributos.

En cuanto a los hombres, muchos de ellos se las arreglaron con el traje de “desmovilización “ del gobierno;  los que pudieron permitírselo volvieron a firmas como Bulberrys, pero a penas había cambiado el estilo de los trajes que se lucían antes de la guerra.

En París, ocupada por los nazis en el 40, la Haute Couture se vio amenazada, y llegó a sobrevivir gracias a los esfuerzos del presidente de la Chambre Syndicale de la Haute Couture, aunque el número de casas que cerraron fue muy elevado.

La  escasez era peor que en Inglaterra, las telas muy difíciles de conseguir y el cuero impensable.

 Así que algunos modistos marcharon a Vichy. Chanel, que ya estaba totalmente establecida, se retiró al Ritz, Schiaparelli se dedicó a dar conferencias en Estados Unidos, Mainbocher, se translada a Estados Unidos también, y se dedica a continuar con su colección y a diseñar para las GirlScouts, la Cruz Roja,  las WAVES, etc.

Y otros diseñadores, los más jóvenes, fueron los que empezaron o continuaron su carrera durante la guerra, entre ellos tenemos como ejemplo a  Jacques Faht (conocido por sus vestidos de ocasión, habitualmente con grandes lazos y pliegues asimétricos), Cristóbal Balenciaga (el Dios) Pierre Balmain y Christian Dior, que contribuyeron al restablecimiento de la haute couture parisina de los 50.

Sin duda, el boom de la época fue Dior , dando un empuje considerable a la moda con la ceración en 1947 del New Look.  Abre su casa a finales del 46, y con su primera colección sorprende a todo el mundo de la moda por su espléndido uso de la tela, los laboriosos métodos de fabricación  que indignaron a los que habían tenido que pasar por el racionamiento de Gran Bretaña.

Se trata de un estilo que se remonta al pasado, pero que también alude a tiempos más alegres y optimistas.

El conjunto Bar, fue el diseño clave de la colección New Look de Dior. La chaqueta con hombreras muy discretas y una cintura muy marcada se luce sobre una generosa falda plisada y se equilibra con un sombreo “coolie” . De hecho Dior lamentaba la desaparición del sombrero en el vestir femenino. Para él, una mujer no iba vestida correctamente si no llevaba sombrero.

En Estados Unidos, a parte de los recién llegados europeos,  había importantes diseñadores como Hattie Carnegie, Norman Norell y Claire McCardell, inventora de la indumentaria de deporte estadounidense en la que incluía prendas para combinar y las bailarinas.

 Gana el Oscar “lo que el viento se llevó” y los modelos de la película se hacen un hueco en la moda.

Los sombreros de Vivien Leigh, adornados con cintas, plumas y velos de encaje que fueron diseñados por Jonh P Jonh bajo la marca Jonh- Frederics, inspiraron a  mujeres modernas de la época, al igual que el cabello enrollado y las redecillas.

El entonces adolescente Mickey Ronney, ganaba fans, y Frank Sinatra atraía a multitudes llamadas bobby-soxers porque llevaban calcetines cortos y zapatos bicolor.

Otra silueta alternativa es la falda tubo muy ajustada que marca mucho la silueta.